El Dibujo: la base del proceso creativo

¿Qué es el Dibujo? Dibujo, el arte o la técnica de producir imágenes sobre una superficie, generalmente de papel, por medio de marcas, generalmente de tinta, grafito, tiza, carbón o crayón.

Es una forma de lenguaje que precedió a la escritura y que sigue sirviendo como parte de nuestra comunicación.

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Características del dibujo

Los dibujos pueden contar historias, educar, inspirar, entretener e informar. Pueden describir apariencias, ofrecer comentarios, transmitir dramatismo y relatar la historia. Pueden hablar de cosas visibles, imaginarias e incluso invisibles.

El dibujo como creación artística formal podría definirse como la interpretación principalmente lineal de los objetos del mundo visible, así como de los conceptos, pensamientos, actitudes, emociones y fantasías dados en forma visual, de los símbolos e incluso de las formas abstractas.

Esta definición, sin embargo, se aplica a todas las artes y técnicas gráficas que se caracterizan por hacer hincapié en la forma o en la masa y el color, como en la pintura. El dibujo como tal difiere de los procesos de impresión gráfica en que existe una relación directa entre la producción y el resultado.

El dibujo, en resumen, es el producto final de un esfuerzo sucesivo aplicado directamente al soporte. Si bien un dibujo puede servir de base para la reproducción o la copia, es sin embargo único por su propia naturaleza.

Historia del dibujo

Aunque no toda obra de arte ha sido precedida por un dibujo en forma de boceto preliminar, es en efecto la base de todas las artes visuales. A menudo el es absorbido por la obra terminada o destruido en el curso de su realización.

Esencialmente, cada pintura se construye con líneas y pre-bocetos en sus contornos principales; sólo a medida que la obra avanza se consolida en superficies coloreadas. Como lo demuestra el creciente número de descubrimientos e investigaciones, los dibujos forman la base material de las pinturas murales, paneles y libros.

Esos bocetos preliminares pueden indicar simplemente los contornos principales o pueden predeterminar la ejecución final hasta los detalles exactos. También pueden ser meros esbozos de sondeo. Mucho antes de la aparición del dibujo real a pequeña escala, este procedimiento se utilizaba mucho en los murales monumentales.

Con la sinopia, el boceto preliminar que se encuentra en una capa propia en la pared debajo del fresco, o la pintura en yeso húmedo recién extendido- se llega al punto en que una obra que sólo sirvió como preparación técnica se convierte en un dibujo formal que expresa una intención artística.

Sin embargo, no fue hasta finales del siglo XIV cuando el dibujo adquirió su propio significado, ya no necesariamente subordinado, conceptual o materialmente, a otra forma de arte.

Los dibujos autónomos o independientes, como su nombre indica, son en sí mismos el objetivo final de un esfuerzo artístico; por lo tanto, suelen caracterizarse por una estructura pictórica y por una ejecución precisa hasta los detalles.

Formalmente, el dibujo ofrece el mayor margen posible para la expresión de las intenciones artísticas. A través del dibujo se pueden hacer visibles los cuerpos, el espacio, la profundidad, la sustancialidad e incluso el movimiento.

La leyenda griega dice que la primera «imagen» se originó copiando las sombras en la arena, y representa una de las posibilidades más antiguas y populares de la representación gráfica.

Después de caracterizar decisivamente la forma del dibujo egipcio y el arte arcaico de Grecia, el boceto de contorno se convirtió en el principal vehículo de comunicación artística en la antigüedad tardía y en la Edad Media.

Utilizado de diversas maneras a principios del Renacimiento, volvió a dominar en el Neoclasicismo, al igual que en el período clasicista de la obra total de un artista.

Elementos del diseño

El elemento principal del dibujo es la línea. A través de prácticamente todo el desarrollo del dibujo occidental, esta figura, esencialmente abstracta, no presente en la naturaleza, y que aparece sólo como un marco de frontera de cuerpos, colores o planos, ha sido el vehículo de una representación más o menos ilusionista de los objetos.

Sólo en tiempos muy recientes se ha concebido la línea como un elemento autónomo de la forma, independiente del objeto a representar.

El dibujo consciente y deliberado representa un logro mental considerable, ya que la capacidad de reducir los objetos espaciales del mundo que nos rodea a líneas dibujadas en un plano presupone un gran don para la abstracción.

La identificación del motivo de un dibujo por parte del espectador no es un logro menor, aunque lo dominan prácticamente todos los seres humanos. La interpretación visual de una línea como representación de un objeto dado es posible a través de ciertas formas de esa línea que provocan asociaciones.

El encuentro angular de dos líneas, por ejemplo, puede considerarse como la representación de los bordes de un plano; la adición de una tercera línea puede sugerir la idea de un cuerpo cúbico.

El boceto del contorno se elabora en el dibujo detallado mediante la línea, que diferencia entre los valores plásticos y espaciales del objeto.

Los bordes de los objetos individuales, los cambios en el plano espacial y las distintas intensidades de color aplicadas dentro de un boceto de contorno tienden a enriquecer y aclarar la relación entre el conjunto y sus partes componentes.

El comienzo libre, la desaparición o la interrupción de una línea ofrecen oportunidades para arrastrar gradualmente un borde hasta que se convierte en un plano, para dejar que las transiciones de color se desvanezcan, para que la línea se desvanezca en la profundidad.

El engrosamiento o adelgazamiento de una línea también puede utilizarse para indicar, espacialmente o por medio del color, un cambio en el objeto designado por esa línea. Incluso los valores de luz y sombra pueden ser representados por diferencias en la fuerza de los trazos.

Si bien el troceado de una línea en varios segmentos breves y, aún más, el dibujo de líneas individuales que corren paralelas en una dirección, hace que la forma del trazo parezca menos corpórea y firme, reproduce el impacto visual de la forma de una manera más pictórica.

Los ligeros cambios en el flujo de la línea tienen por objeto representar curvas y transiciones suaves; también refuerzan el efecto de la luz que incide en una superficie y dan así el aspecto corpóreo.

La mera combinación de estas variadas formas de la línea, sin referencia a los medios en los que se dibujan las líneas, proporciona al artista una plétora de oportunidades subjetivas para la expresión tanto de rasgos estilísticos generales como de características personales.

Este método de dibujo, de hecho, es característico de las épocas estilísticas y de las regiones artísticas (por no hablar de los artistas individuales) que prefieren estas cualidades: en la ciudad más bien sobria de Florencia, en el expresionismo alemán, donde se utiliza para transmitir el estado de ánimo, pero también en los dibujos de Rembrandt y Vincent Van Gogh.

Las líneas suaves, por otra parte, que se extienden en formas redondeadas y suaves y que subrayan la regularidad gráfica por encima de cualquier declaración de contenido, constituyen el equivalente formal de las cualidades de expresión elegantes, cortesanas y líricas.

La técnica del sombreado da a la línea un potencial adicional para la clarificación de las relaciones plásticas y de los fenómenos de la luz. En la eclosión, las líneas paralelas, cortas, equidistantes, más o menos rectas crean valores estáticos y tectónicos (estructurales) marcando planos corporales individuales.

La eclosión suavemente curvada acentúa la redondez del cuerpo y también puede acentuar, como valor tonal, las partes sombreadas de la representación.

La superficie de Dibujo

A estos elementos gráficos hay que añadir otro fenómeno cuyo significado formal se limita al dibujo: el efecto de la superficie de dibujo sin marcar, generalmente de papel.

Casi todos los estudios (dibujos de detalles), muchas hojas autónomas, la mayoría de los dibujos de retratos, así como las composiciones de figuras, bodegones, e incluso paisajes se mantienen libres en la hoja en lugar de estar cerrados con un marco.

Así, la superficie vacía, sugiriendo por sí misma un fondo espacial al dibujo sobre ella, contribuye activamente al efecto artístico.

Incluso dentro de la composición lineal, la superficie dejada en blanco cumple un papel esencial. Entre los detalles que transmite el espacio vacío pueden estar los planos de un rostro, el ancho liso de una prenda, la masa de una figura u objeto, la sustancia cuyos bordes y matices son indicados por el dibujo.

El espacio que rodea a los objetos individuales, la distancia espacial entre ellos y su entorno, la anchura de un río y la profundidad de un paisaje pueden ser simplemente señalados por el dibujo y llenados por el vacío.

Este vacío puede convertirse en sí mismo en la forma dominante delimitada por líneas o contornos, por ejemplo, en los bocetos decorativos y en muchos dibujos ornamentales que utilizan la forma negativa, efecto que se consigue también tiñendo los planos en blanco.

Relación entre el dibujo y otras formas de Arte

El vínculo entre el dibujo y otras formas de arte es, por supuesto, muy estrecho, porque el boceto preliminar fue durante mucho tiempo el principal propósito del dibujo.

El dibujo y la pintura

Existe un estado de mutua dependencia entre la pintura y el dibujo, sobre todo en el caso de los bocetos y estudios para la composición de un cuadro.

La relación es más estrecha con los bocetos preliminares del mismo tamaño que el original, los llamados dibujos animados cuyos contornos fueron prensados o perforados para teñirlos con polvo de carbón. Una vez transferido a la superficie de la pintura, el boceto había cumplido su propósito.

En las hojas autónomas, también, la estrecha conexión entre el dibujo y la pintura se evidencia por los rasgos estilísticos que son comunes a ambos. El dibujo y la pintura coinciden en muchos detalles de contenido y forma.

Las medidas; las proporciones de las figuras; la relación de la figura con el espacio circundante; la distribución del tema dentro de la composición según el orden estático, la simetría y el equilibrio de las masas o según los contrastes dinámicos, los puntos de fuga excéntricos y la sobreactuación de los elementos individuales.

El carácter estilístico uniforme que comparten el dibujo y la pintura suele expresarse con menos severidad en el primero debido al flujo espontáneo del trazo o «escritura» del artista sin trabas y a la lucha por la forma que se registra en el pentimenti.

El dibujo puede estimular ciertos aspectos del movimiento más fácilmente que la pintura mediante la repetición rítmica de un contorno o el frotamiento combinado de una línea fronteriza afilada.

El dibujo y el grabado

Aún más estrecha es quizás la relación entre el dibujo y el grabado, que funciona con los mismos medios artísticos, con la linealidad monocromática como principal elemento formal y con diversos métodos de tono y plano estrechamente relacionados.

El dibujo y la escultura

El dibujo es más independiente que la escultura porque ésta utiliza un modelo tridimensional. Como resultado, el trabajo de los escultores siempre puede reclamar un mayor grado de autonomía.

El dibujo como parte de la experiencia humana

En su forma más básica, el dibujo consiste simplemente en dejar una marca visible con una herramienta. Un palo quemado fue una de las primeras herramientas de dibujo, usada en primitivas pinturas rupestres en lugares como Lascaux.

Los niños empiezan a hacer marcas tan pronto como pueden sostener un crayón. El dibujo es la manifestación física externa del impulso innato de crear y comunicar y es una habilidad básica utilizada en todas las artes visuales y el diseño.

En los últimos años, con los artistas experimentando más con métodos y materiales y mezclando diferentes medios, la distinción entre el dibujo y la pintura es a menudo borrosa. Se puede dibujar con un pincel, y se pueden lograr efectos pictóricos con medios de dibujo como lápices y crayones solubles en agua.

Por lo general, un dibujo se considera una obra de marcas o tonos lineales sobre papel, independientemente del medio o la técnica real, pero el acto de dibujar puede ocurrir sobre cualquier soporte, y el dibujo es una parte importante de la pintura, tanto si se pinta de forma representativa como abstracta.

Tipos de dibujo

Así como hay diferentes tipos de pintura, también hay diferentes tipos de dibujo, que van desde los más representativos a los más abstractos. Se pueden desglosar en tres tipos diferentes: modos de dibujo realistas, simbólicos y expresivos.

Dibujo realista

El dibujo realista es lo que la mayoría de la gente en las culturas occidentales piensa cuando piensa en dibujar – capturar lo que vemos con nuestros ojos y representar el mundo tridimensional en una superficie bidimensional usando los elementos del arte como la línea, la forma, el color, el valor, la textura, el espacio y la forma.

La gente ha valorado durante mucho tiempo la capacidad de poder reproducirse a través del dibujo de su entorno y alrededores, y así es como se enseña generalmente el dibujo. Muchos artistas mantienen cuadernos de bocetos para ese propósito, ya sea como estudios para obras y pinturas más grandes o como obras de arte terminadas por derecho propio.

De hecho, este es un tipo de dibujo importante e implica aprender a ver y a transferir con precisión lo que se ve en una superficie bidimensional. Hay muchos libros excelentes que enseñan al estudiante a ver y a dibujar. El libro de Betty Edward, Drawing on the Right Side of the Brain (Comprar en Amazon) es uno de ellos, así como el de Bert Dodson, Keys to Drawing.

Dibujo Simbólico

El dibujo simbólico es en realidad mucho más común de lo que se podría esperar. Si puedes escribir tu nombre, estás usando el dibujo simbólico. Las letras o marcas que haces representan tu nombre. Paul Klee (1879-1940) fue un artista que usó una variedad de símbolos – una notación abreviada de líneas, marcas o formas que representan algo más – en sus pinturas y dibujos.

Puedes crear tus propios símbolos y usarlos dentro de una composición. Los dibujos simbólicos pueden seguir siendo reconocibles como el objeto o evento que representan, pero en una forma simplificada y más gráfica.

Dibujo expresivo

El dibujo expresivo a menudo comunica ideas o emociones que no son visibles o tangibles. Los dibujos expresivos pueden capturar el movimiento y la energía, los sentimientos, los recuerdos o incluso el reino espiritual.

Los dibujos gestuales pueden ser bastante expresivos, capturando la energía del movimiento de una figura, o el delicado movimiento de una flor.

La distinción entre estos diferentes tipos de dibujo no siempre es distinta y un solo dibujo puede incorporar cualquiera o las tres modalidades. Por ejemplo, un dibujo gestual, aunque sea representativo puede ser también bastante expresivo – pero un modo será generalmente dominante.

Propósitos del Dibujo

Hay muchos usos para el dibujo. El dibujo es una forma de comunicación que precedió a la escritura y que sigue sirviendo como otra forma de comunicación. «Los dibujos pueden hacer cosas sorprendentes. Pueden contar historias, educar, inspirar, revelar, entretener e informar.

Pueden describir apariencias, ofrecer comentarios, transmitir dramatismo y relatar la historia. Los arreglos de líneas y marcas pueden hablar de cosas visibles, imaginarias e incluso invisibles».

Además, desde el concepto hasta la finalización, los dibujos son el pilar de todas las cosas diseñadas por los humanos, desde las cosas que vemos en el escenario o en los teatros, hasta los objetos y edificios del mundo real en el que vivimos.

El proceso de dibujo, en sí mismo, es meditativo, enriquecedor y edificante. Cuando estás dibujando algo te absorbes en el proceso de dibujar, y llegas a conocer a tu sujeto a través de verlo realmente.

Escultor en su taller bocetando un dibujo
Escultor en su taller bocetando un dibujo.
Artista utilizando diferentes técnicas de dibujo
Artista utilizando diferentes técnicas de dibujo.

Técnicas de dibujo

Herramientas tan variadas como lápices de pizarra, carbón, estiletes metálicos y tizas pueden ser usadas para dibujar, así como todos los utensilios de escritura, incluyendo bolígrafos, lápices y pinceles.

De hecho, incluso cinceles y diamantes se utilizan para dibujar, sin mencionar sierras, taladros y fuego.

Los utensilios de dibujo en seco difieren en eficacia de los líquidos porque no es irrelevante desde el punto de vista artístico si se utiliza un medio de autodibujo que permita una línea que fluya uniformemente y que dependa sólo de la presión de la mano o una herramienta de transferencia.

Los modernos medios de dibujo que combinan ambas posibilidades, como las plumas estilográficas, los bolígrafos y los bolígrafos con punta de fibra, son inventos recientes.

Aunque ciertas técnicas predominen en determinados períodos, la selección de los medios de dibujo depende del efecto que se pretende obtener y no al revés. Los artistas siempre han sido capaces de lograr el efecto deseado con una variedad de técnicas.

Los medios secos, por ejemplo, están predestinados para las líneas claras, los líquidos para la aplicación plana. Pero también se pueden hacer trazos extremadamente finos con el pincel, y se pueden marcar campos amplios con lápiz o crayón.

Algunos medios, incluido el carbón vegetal, uno de los más antiguos, si no el más antiguo de todos, permiten ambos extremos.

Herramientas dibujo

Carbón vegetal

En cada hogar o chimenea, quedan trozos de madera parcialmente consumidos que pueden ser utilizados como una herramienta conveniente para dibujar. Evidencias de bosquejos en carbón vegetal para murales, paneles e incluso pinturas en miniatura aún pueden verse ocasionalmente bajo el pigmento.

El dibujo con carbón vegetal producido a partir de madera lo más homogénea posible da un trazo poroso y poco adhesivo. El lápiz de carbón puntiagudo permite líneas muy finas; si se usa a lo ancho de la superficie, crea planos de tono uniforme.

Frotar y pulverizar la línea de carbón vegetal da como resultado tonos intermedios atenuados y transiciones delicadas. Debido a su ligera adhesividad, el carbón vegetal es eminentemente adecuado para el esbozo correctivo; pero si se quiere conservar el dibujo, debe ser protegido por un fijador.

Como medio para hacer esbozos rápidos e indagatorios y para practicar el estudio de modelos, el carbón vegetal fue muy utilizado en su día en todas las academias y talleres.

El carbón vegetal se ha utilizado a menudo en los dibujos de retratos para conservar para la pintura eventual los tintes pictóricos que ya estaban presentes en el boceto preliminar.

Tizas

Las tizas, que se parecen a los lápices de carbón en su aspecto exterior, son un medio de dibujo igualmente importante. Si el carbón era principalmente un medio para el esbozo rápido que podía ser corregido y para la búsqueda de la forma artística, el dibujo con tiza, también puede cumplir todas estas funciones.

Como material básico, la tiza de alúmina tiene varios grados de dureza, de modo que el trazo varía desde ligeramente granulado hasta homogéneamente denso y liso.

El intento de producir un crayón o lápiz de la mayor uniformidad posible ha llevado a la producción de tizas especiales para el dibujo; es decir, tizas que, después de ser pulverizadas, lavadas y moldeadas en cómodos palillos, permiten un trazo más suave y regular y también están libres de partículas de arena.

La adición de pigmentos crea diversos tintes, desde un negro intenso hasta un gris parduzco; en comparación con la muy utilizada tiza negra, la variedad marrón tiene poca importancia.

La tiza blanca, que también se encuentra en la naturaleza, rara vez se emplea como medio independiente para el dibujo, aunque con frecuencia se utiliza en combinación con otros medios para lograr reflejos de luz como acentos individuales de la modelación plástica.

Otro lápiz de dibujo muy importante es también un producto de tiza: el lápiz rojo o sanguina, que contiene óxido férrico, que se encuentra en la naturaleza en tonos que van del marrón oscuro al rojo fuerte y que también puede fabricarse a partir de la misma base de óxido de aluminio con óxido férrico u óxido añadido.

La combinación de varias tizas ofrece posibilidades colorísticas aún más ricas. La tiza negra y la sanguina se han utilizado ampliamente desde el siglo XVI para lograr la diferenciación de color entre los tonos de la carne, el pelo y el material de las prendas de vestir.

La combinación de tiza negra y blanca sirve para el modelado plástico, al igual que la de la sanguina más suave con tiza blanca; en el primer caso, la acentuación recae en el negro, en el segundo, con la delineación más sugerente en blanco.

Las modernas tizas de grasa ofrecen una escala cromática de gama similar. Desarrolladas originalmente con fines técnicos como la rotulación de superficies muy lisas, como el metal o el vidrio, pueden aplicarse de la misma manera plana que los pasteles, aunque con el efecto estético opuesto: el de los colores compactos.

Metalpoints

Los puntos metálicos se han usado para escribir y delinear desde la escritura de la antigüedad. Se requería poca imaginación para emplearlos también en el dibujo.

El material más utilizado era el plomo blando, que en una superficie lisa sale gris pálido, de color no muy fuerte, y fácilmente borrable pero muy adecuado para los bocetos preliminares.

Además del plomo, también se utilizaban el estaño y el cobre, así como diversas aleaciones de plomo y pita.

El libro de bocetos del pintor veneciano del siglo XV, Jacopo Bellini, en Londres, con dibujos a punta de plomo en papel tintado es un ejemplo particularmente valioso de esta técnica, aunque hace tiempo que se dibujaron porciones individuales y, de hecho, páginas enteras que se habían hecho efectivas.

Más adecuado para el dibujo permanente es el silverpoint, que requiere una preparación especial de la base y, una vez aplicado, no puede ser corregido. Su trazo, también de color gris pálido, se oxida en marrón y se adhiere de forma indeleble.

Los dibujos de Silverpoint requieren por lo tanto un concepto más claro de la forma y una mano firme porque las correcciones permanecen visibles.

Debido a que demasiada presión puede provocar grietas en la base, los trazos deben ser uniformes; los énfasis, el modelado y los fenómenos de la luz deben ser realizados ya sea por medio de densos trazos, repeticiones y espacios en blanco o bien complementados por otros medios.

La punta de grafito

Hacia finales del siglo XVI, se introdujo un nuevo medio de dibujo y pronto se desplazó completamente la punta metálica en el dibujo y el dibujo preliminar: la punta de grafito.

También llamado plomo español por su principal lugar de origen, este medio de dibujo fue rápida y ampliamente adoptado; pero debido a su consistencia blanda y untuosa fue usado para dibujos autónomos sólo por algunos pintores holandeses, e incluso ellos lo emplearon mayormente en conjunción con otros puntos.

Las puntas duras, con sus duraderas, claras y finas capas de trazo, eran especialmente adecuadas para los propósitos de los dibujantes neoclásicos y románticos.

Lápices de colores

Los lápices de colores, en circulación desde finales del siglo XIX, ofrecen todas las posibilidades de los puntos de grafito negro; y, en combinaciones, alcanzan un valor de color más fuerte que las tizas porque no se fusionan entre sí.

Cada línea conserva su color original y característico, una forma de independencia que Gustav Klimt y Picasso explotaron al máximo.

Dibujo incisivo

Un papel aparte es el que juegan los dibujos incisos. Su pronunciada linealidad les da el aspecto visual de otros dibujos; materialmente, sin embargo, representan el principio opuesto, el de sustraer de una superficie en lugar de añadir a ella.

Los dibujos incisos están entre los documentos más antiguos de la actividad humana. En las primitivas culturas africanas, los métodos y formas de los dibujos prehistóricos de huesos y rocas han sobrevivido hasta el presente.

En una forma decorativa y posiblemente también simbólica, las decoraciones incisas en cerámica han existido durante miles de años; en la medida en que la comparación es válida, corresponden en todos los aspectos formales a los dibujos aplicados del mismo período.

Pincel, pluma y tintes

De las muchas posibilidades de transferir colorantes líquidos a un plano, dos se han vuelto particularmente significativas para el dibujo artístico: el pincel y la pluma.

Sin duda, la pintura con los dedos, como se encuentra en las pinturas rupestres prehistóricas, se ha practicado ocasionalmente desde finales del Renacimiento y cada vez más en tiempos más recientes. Para el dibujo como tal, sin embargo, el método es irrelevante.

El uso de trozos de piel, trozos de madera deshilachada, fajos de paja y similares es más significativo como primer paso hacia el pincel de pelo de camello que como indicación de que estos objetos fueron alguna vez medios de dibujo por derecho propio.

Bolígrafos

El principio de transferir los colorantes con la pluma ha permanecido prácticamente inalterado durante miles de años. El efecto capilar de la punta partida, cortada oblicuamente, aplica el líquido de dibujo a la superficie (pergamino, papiro y, desde finales de la Edad Media, casi exclusivamente papel) en cantidades que varían según la saturación de la pluma y la presión ejercida por la mano de dibujo.

La forma más antigua es la de la pluma de junco; cortada de plantas de papiro, juncia o bambú, almacena un depósito de fluido en su interior hueco. Su trazo característicamente poderoso, duro y ocasionalmente bifurcado se convirtió en un medio popular de expresión artística.

Desde el auge del dibujo en el arte occidental, es decir, desde finales de la Edad Media, la pluma ha sido el instrumento más utilizado para aplicar medios líquidos a la superficie de dibujo.

La importancia que se le ha dado a esta herramienta queda atestiguada por las instrucciones detalladas en los manuales de los pintores sobre la confección de la pluma a partir de los ejes de las alas de gansos, cisnes e incluso cuervos.

La punta flexible de la pluma, disponible en diferentes resistencias, permite una escala relativamente amplia de trazos individuales: desde líneas suaves y finas, como las utilizadas en los bocetos preliminares para las ilustraciones de los libros iluminados, pasando por líneas ascendentes y descendentes que permiten la diferenciación dentro del trazo, hasta líneas anchas y enérgicas.

Sólo cuando las plumas de metal comenzaron a fabricarse con acero de alta calidad y con diferentes resistencias, se convirtieron en un instrumento de dibujo capaz de satisfacer las exigencias de la mano del artista individual.

Tintas

Aunque todos los colorantes de baja viscosidad se prestan para el dibujo a pluma, las diversas tintas se emplean con mayor frecuencia.

La fabricación de la tinta de galleta se conocía desde la scriptoria medieval. Un extracto de nueces de gallo mezclado con vitriolo de hierro y espesado con una solución de goma arábiga produce un fluido de escritura que sale del bolígrafo negro, con un fuerte toque de violeta púrpura, y se seca casi negro.

Otra tinta, que parece no haber encontrado ningún favor como fluido de escritura pero que sin embargo ha tenido cierta popularidad en el dibujo, es el bistre, un pigmento transparente de fácil disolución, de color marrón claro a oscuro, que se obtiene del hollín de la lámpara negra que recubre las chimeneas de leña.

También se deriva de una base de carbono la tinta de la India, hecha con el hollín de maderas excepcionalmente duras, como el olivo o las vides de uva, o con el negro de grasa de la llama de aceite, con goma-árabe mezclada como aglutinante.

Este fluido de escritura, conocido ya en Egipto y utilizado hasta hoy en China e India, se ha fabricado en Europa desde el siglo XV. Favorecido en particular por los dibujantes alemanes y holandeses debido a su fuerte colorido, se prestaba sobre todo para el dibujo sobre papel coloreado.

Desde el siglo XIX, la tinta china es la tinta más popular para los dibujos a pluma, sustituyendo a todas las demás tintas en los bocetos técnicos. Sólo muy recientemente las tintas de escribir han adquirido cierta importancia en el dibujo artístico en relación con la práctica de la pluma estilográfica.

Durante un tiempo relativamente corto, un colorante de origen animal, la sepia, obtenido a partir del pigmento de la sepia, se utilizó para dibujar.

Para la tinta el pincel es una mejor herramienta que la pluma. Las acuarelas producidas sistemáticamente de varios tonos se limitan casi totalmente a los dibujos técnicos.

Dibujos a pluma

En combinación con los textos escritos, los dibujos a pluma están entre los documentos artísticos más antiguos. Ya en la época clásica, los textos se ilustraban con contornos firmes y escasos detalles interiores.

Durante la Edad Media, los dibujos marginales y las ilustraciones de libros fueron una y otra vez pre-esbozados, si no definitivamente ejecutados, con la pluma.

El boceto de líneas finas también es característico de los primeros dibujos individuales de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento.

En el siglo XVI, la gama artística del dibujo a pluma alcanzó una articulación individual que casi nunca volvió a alcanzar. Cada artista era libre de explotar con la pluma las posibilidades formales que correspondían a sus talentos.

Así, Leonardo utilizó un trazo preciso para sus dibujos científicos; Rafael realizó bocetos relajados, en los que buscaba formas y variaciones de la forma; y Miguel Ángel dibujó con trazos cortos que recordaban el trabajo con el cincel.

En el siglo XVII, el dibujo a pluma pasó a un segundo plano frente a las técnicas combinadas, especialmente el lavado, el barrido o la salpicadura de color, aplicadas con el pincel. En el siglo XVIII surgieron otras técnicas, y el boceto a pluma sirvió de andamio para el dibujo que se realizó en estilo pictórico.

Esta técnica fue seguida de nuevo por una fase de orientación más pictórica, que culminó a finales del siglo XIX con el reconocimiento del dibujo como la expresión más inmediata y personal de la mano del artista.

Dibujos a pincel

Aunque el pincel es el más adecuado para la aplicación plana de pigmentos, su uso en una función claramente delineadora, con la línea dominante y (una propiedad crucial del dibujo con pincel) en forma monocromática, puede remontarse a la prehistoria.

Todas las tintas de dibujo mencionadas se han utilizado como colorantes en los dibujos con pincel, a menudo con un mismo pigmento empleado en el trabajo combinado de pluma y pincel.

A menudo se obtiene una diferenciación aún mayor del tono mediante medios concentrados o diluidos y con la adición de otros suplementarios.

El dibujo a pincel se diferencia del dibujo a pluma por su mayor variación en la anchura del trazo y por el propio trazo, que se asienta con mayor suavidad y está en conjunto menos severamente delimitado. Los primeros dibujos a pincel muestran, sin embargo, una conexión sorprendente con la técnica del dibujo a pluma.

Combinaciones de diversas técnicas

La combinación de varias técnicas juega un papel más importante en el dibujo que en todas las demás formas de arte.

Sin embargo, en los numerosos dibujos en los que intervienen dos o más medios, es necesario distinguir entre aquellos en los que los medios fueron cambiados en el curso de la génesis artística y aquellos en los que se pretendía desde el principio un efecto artístico basado en una combinación de medios.

En el primer caso, uno se enfrenta a un bosquejo preliminar, por así decirlo, del dibujo eventual: la estructura básica con algunas variaciones se prueba con carbón, tiza, lápiz, bolígrafo o algún otro material (preferiblemente seco y fácilmente corregible) y luego se lleva a cabo en un medio más fuerte y duradero.

La combinación más significativa desde el punto de vista estilístico es la de la pluma y el pincel, en la que la pluma delinea los contornos que denotan el objeto y el pincel proporciona valores espaciales y plásticos así como pictóricos, es decir, de color.

La forma combinada más simple es la iluminación de manuscritos, donde los contornos cercanos delineados se rellenan con color. El dibujo puede ser mejorado si se hace con una mano diferente a la del dibujante o en un momento posterior.

Más importante es el trabajo con pincel que complementa el dibujo lineal, en el que segmentos enteros pueden dedicarse a una u otra técnica; por ejemplo, el uso considerable del blanco en los dibujos sobre papel coloreado.

De manera complementaria similar, el pincel puede utilizarse para el modelado plástico como forma de resaltar, es decir, para indicar los puntos que reciben mayor iluminación.

La combinación de medios de dibujos secos y fluidos proporciona un contraste de superficie genuino que puede ser explotado para una diferenciación sensual.

También en este caso hay que distinguir entre las diversas formas de aplicación del mismo medio, por ejemplo, carbón y polvo de carbón en una solución de agua o, más frecuentemente, sanguina y sanguina frotada con un pincel húmedo, y el mayor contraste que se produce por el uso de medios totalmente diferentes.

Dispositivos mecánicos

Las ayudas mecánicas son mucho menos importantes para el dibujo artístico que para cualquier otra forma de arte. Muchos dibujantes las rechazan por ser poco artísticas y contrarias al aspecto creativo del dibujo.

Aparte de la importancia crucial que las ayudas mecánicas han tenido y siguen teniendo para todo tipo de diagramas de construcción, planos y otros dibujos aplicados, algunas ayudas mecánicas se han utilizado en diversa pero significativa medida para los dibujos artísticos.

La regla, el triángulo y la brújula como instrumentos geométricos básicos han desempeñado un papel importante, especialmente en los períodos en los que los artistas crearon de manera conscientemente constructiva y perspectivista.

Los dibujos producidos mecánicamente, como los esbozos de máquina de escribir, los de computadora y los realizados con el uso de un proyector, todos los cuales pueden dar resultados inusuales y atractivos.